Viernes

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Viernes

Bruno E. Macher Free Jazz Quartet es el proyecto que Bruno Macher viene impulsando desde hace unos años renovando el lenguaje del jazz hecho en el Perú. El sonido de este cuarteto (que incluye a Ricardo Lopez en Tuba, Alejandro Rodrigo en guitarra, Constantino Alvarez en batería y Bruno Macher en saxo y semillas)se orienta hacia el jazz libre y de improvisacion, e incorpora en su lenguaje elementos de la música popular (las bandas de Sunicancha y del Centro)así como matices de música contemporánea, haciendo de su propuesta una de las más interesantes de nuestra escena musical.

Hipnoascencion es una de las bandas pioneras en nuestro país de lo que podríamos llamar space rock. Con más de 15 años de trayectoria, Hipnoascencion (banda que la integra Carlos Roldan, Hugo Medina y Carlos Neyra)ha conseguido ser uno de los referentes, gracias a sus intensas presentaciones, para la psicodelia espacial y el rock experimental en nuestro medio, lenguajes musicales que en los últimos años han ganado cada vez más oyentes y cultores en nuestra escena.

URBE & ARTE

Se ha inaugurado en el Museo de la Nación la muestra Urbe & Arte: imaginarios de Lima en transformación: 25 años de arquitectura, artes visuales y música. Es una muestra que busca dar una mirada a la producción artística, en sus diversas disciplinas, buscando tejer relaciones. La muestra es el resultado del trabajo de curaduría de Jorge Villacorta, Augusto del Valle, Paulo Dam, Sharon Lerner, Miguel López y quien escribe, gracias al auspicio del Estudio Muñiz Perez Taiman, la Fundación Wiesse y el INC.
En la muestra se han colocado diversos módulos de audio en los que se podrá escuchar compilaciones que documentan la producción musical de los últimos 25 años. Es decir, allí está los años 80s (la llamada música urbana y los grupos de jazz y fusión criolla y folklórica, los subtes, la chicha, el surgimiento de una nueva generación de músicos académicos, algunos proyectos noise y algunos outsiders aparecidos con la segunda camada subte), los años 90s (la nueva movida de rock underground —no he sido riguroso con ella— el surgimiendo de grupos post rock y de música electrónica, el trabajo de algunos compositores académicos de los años 60s, algunos solistas y proyectos de jazz, rutas independientes) y la actualidad (la movida pop, los proyectos experimentales y electroacústicos, psicodélicos y electrónicos). Es una de las tantas formas de ver lo que musicalmente ha pasado, y esta es en todo caso la que creo es más interesante.
Cada viernes durante 6 semanas habrá un concierto en el Museo de la nación, a las 7.00 pm, el ingreso es libre. El día de la inauguración se presentaron piezas de Edgar Valcarcel (que preparó una nueva versión de su legendaria Zampoña sónica, junto a Raúl Gómez, de Jardín), Francisco Pulgar Vidal, José Sosaya y Jaime Oliver.
Se estarán presentando a lo largo de estas semanas artistas como Manongo Mujica, Bruno Macher, Hipnoasencion, El Aire, Liquidarlo Celuloide, Manganzoides, Catervas, Voz Propia, Sonoradio, Rapapay y Unidad Central.

Este viernes 8 se presenta Manongo Mujica (en el Patio de las Artes del Museo de la Nación), presentará “Ecos” para hojas, percusión y sonidos transformados. Manongo hará una nueva versión de una experiencia presentada en Estados Unidos, en homenaje a John Cage. El ingreso, repito es libre, a las 7.00 pm.

Como muchos deben saber, Manongo Mujica es una de las figuras más importantes del jazz en el Perú, como también de la experimentación y el uso de recursos electrónicos. Algunos trabajos (hoy difíciles de conseguir) como Paisajes Sonoros (junto a Douglas Tarnawiecki) o Nocturno (junto a Arturo Ruiz del Pozo y Omar Aramayo) son más que indispensables, así como el ya mítico disco de Perú Jazz (banda que integraban Manongo junto a Jean Pierre Magnet, David Pinto y Chocolate Algendones), banda, que dicho sea de paso ha anunciado una nueva presentación en La Noche de Barranco. En otro momento comentaré algunos de estos discos, por ahora no se olviden que este viernes se presenta Manongo en el Museo de la Nación.

VIBRA

Tenía muchas ganas de postear algunas notas durante las últimas dos semanas pero el tiempo y ciertos malos hábitos (sueño interrumpido, desgaste mental e inevitable actitud automatista para poder cumplir con determinadas labores) me lo impidieron. De todos modos no quiero dejar de hablar sobre lo que viene aconteciendo en Lima.
El Festival de Arte Sonoro “VIBRA: Audio Lima Experimental” es una fabulosa realidad que muchos no podemos más que agradecer.
VIBRA es el resultado de la colaboración entre Alta Tecnología Andina y el Centro Fundación Telefónica. El trabajo de curaduría y selección ha corrido por cuenta de Jorge Villacorta y Alan Poma. El Festival se inauguró el 23 de agosto y durará hasta el 8 de noviembre.
En VIBRA se han programado una serie de actividades, entre conciertos, exposiciones, conferencias, muestras de documentales, talleres, videoconferencias, etc, etc. El ingreso a todas las actividades es absolutamente libre. Serán tres meses en los que la experiencia con el sonido se convertirá en el eje de nuestra reflexión y percepción.
VIBRA se ha inaugurado con la muestra Audiogeneradores, en ella participan los holandeses Marnix de Nijs y Edwin van der Heide, y los peruanos Valentín Yoshimoto y el Colectivo Inaut.


Los holandeses participan con una escultura sonora cinética llamada “Spatial Sound”, que consiste en una suerte de brazo giratorio con mano-parlante que va emitiendo sonidos y girando en función de la interacción con el público, interacción que se genera gracias a unos sensores que lleva la máquina. Es decir, en la medida que uno se acerca la escultura emite un ruido infernal a la vez que gira como hélice de helicóptero. La experiencia puede llegar a niveles muy extremos de velocidad, eso quedará a voluntad del participante. Aquí el sonido y el movimiento existen con uno, la máquina responde a nuestra provocación y se calma cuando abandonamos la sala. Se trata de un ejercicio lúdico y autoreflexivo sobre la experiencia misma del sonido, sobre su naturaleza física y su relación con nuestras vidas. Como reza una cita incluida en el folleto del VIBRA: “Sólo hay sonido cuando algo se mueve, porque al moverse perturba y desplaza aire que penetra en nuestros oídos y que agita nuestros tímpanos. Si no hubiese aire, no oiríamos nada. El sonido es una pulsación de aire semejante a una onda en el agua”.
Valentín Yoshimoto por su parte presenta una intervención-performance llamada “rrrrrrrringtonarumori!”. De lo que se trata es de música hecha con celulares. Valentín ha configurado los aparatos de tal modo que respondan a sus necesidades. Los celulares son luego conectados a una consola y a una serie de pedales, de tal manera que se consigue crear una polifonía de sonidos, en los que viajan ringtones preparados, voces de operadoras, sonidos de teclas, y un sin fin de posibilidades que van apareciendo entre el amasijo de efectos. La experiencia cobra mucho sentido si uno piensa en el rol que el celular juega para nosotros. Que Valentín decida usarlos como herramienta sonora es un indicativo de lo insertado que estos aparatos están en nuestras vidas pero también de la obsesión de este músico por reutilizar todo tipo de aparato sónico. Ya antes Valentín ha utilizado juguetes (muñecos y celulares parlantes de plástico) en sus performances con Rayobac y Liquidarlo Celuloide (banda de la que es actual guitarrista) y quienes lo conocen saben de su obsesión por la música de videojuegos y gameboys y todo lo que tenga que ver con la “demo escene”. De hecho, su reciente disco Demo Stage 386, con su proyecto solista Vavas, es una suerte de catalizador electrónico de sus manías con la reapropiación, el uso laboratorista de los sonidos y de los esquemas musicales del pop, y todo tipo de simulacros sonoros que parecen tener un mismo principio: la música parece ser un juego permanente sobre lo ya hecho, una reconstrucción constante de lo ya existente, una variación, un cínico ejercicio de estilo, puro hedonismo y apropiación. Como alguna vez le oí decir (creo que citando a un DJ): “Una vez me preguntaron que tipo de música echarías a la basura, yo les dije ninguna, para un DJ incluso una mala canción puede reciclarse”. Este sábado se presenta Valentín Yoshimoto en telefónica las 7.00 pm. Quienes no puedan verlo en acción pueden ir al centro, allí están los celulares y la consola, pueden manipularlos y ser ustedes mismos sus propios DJs.
“Audiotránsito Reflex” es la instalación del Colectivo Inaut (integrado por Nancy La Rosa, Leonardo Camacho y Omar Lavalle), está compuesta por una alfombra de metal sobre la que el público puede caminar generando una serie de sonidos que, si uno se desplaza de un extremo al otro de dicha alfombra, descubrirá una variedad de sonidos muy agradables (y muy reberverantes también —se agradece el feeling space) que permitirán crear secuencias musicales de acuerdo a los lugares y las veces que uno decida pisar. Es como estar caminando sobre un gran órgano digital sin teclas. La instalación se completa con la proyección (tan procesada que ya no puedes identificar que es) del participante sobre una pared frontal. “Audiotránsito Reflex” es en ese sentido cercana al espíritu de Spatial Sounds, en la medida que es la interactividad la que genera-completa la obra, pero a diferencia de Spatial Sounds (tendrá que ver la procedencia y el contexto de los artistas), Audiotránsito se entiende como un gran juguete sonoro, que estimula nuestros mecanismos sensoriales, no con sonido en bruto sino más bien con sonoridades cálidas, armónicas, tan opuestas a la habitual experiencia ruidosa de nuestro entorno (limeño). El sonido para los peruanos, al menos como ideal de experiencia, es curiosamente en este Audiotránsito, un sonido diseñado, transformado, casi como si se buscara con nuestro movimiento algún tipo de orden sonoro, cierta musicalidad que antes de perturbarnos, nos magnetice, nos relaje.

Audiogeneradores se completó con la performance del músico español Francisco López el martes pasado, ante cerca de 350 personas, cifra record para un concierto de música experimental en nuestro país.
Actualmente puede verse en el Centro Fundación Telefónica OHM, Early Gurus of electronic music, un documental sobre los orígenes de la música electrónica. El documental se pasa permanentemente en la Sala Plasma. Luego se proyectará uno sobre el músico John Zorn.

VIBRA tendrá muchas sorpresas más, entre ellas la muestra “Resistencias: primeras vanguardias musicales en el Perú” (que se inaugurara el 11 de octubre). Una muestra documental sobre la vanguardia musical peruana y sobre sus principales representantes: César Bolaños, Edgar Valcarcel, Leopoldo La Rosa, Alejandro Núñez Allauca, Enrique Pinilla, Celso Garrido Lecca, Walter Casas, etc, etc, que tuvieron una intensa actividad durante los años 60s y 70s renovando nuestra tradición con el uso de nuevos lenguajes (música electrónica, música aleatoria, serialismo, interdisciplinariedad, etc). Se podrá apreciar vinilos, escuchar la música al íntegro, ver fotografías, recortes de prensa, programas, afiches, y demás documentos, así como un video con entrevistas a los propios músicos.
Por otra parte estarán visitando el Perú artistas muy importantes como Pauline Oliveros, Charlemagne Palestine y mis favoritos los neoyorquinos Black Dice. Para no perdérselo. Y todavía hay más. Será para otro post.

Breve recuerdo de Rebella

La semana que pasó recibí noticias que me dejaron afectado. Entre ellas la del fallecimiento de Juan Pablo Rebella, joven director uruguayo, quien junto a su inseparable amigo Pablo Stoll dirigió dos de las mejores películas latinoamericanas que he visto en los últimos años: 25 Watts y Whisky. La vida es así y uno no sabe que decisiones se esconden debajo de una sonrisa.
Cuando estuvieron en Lima tuve la suerte de poder conservar con ellos. La primera vez que vinieron apenas cruce unas palabras. Recuerdo que había ido a ver 25 watts con una amiga que se había comprado entradas para todas las películas del encuentro de cine de la pucp. Cuando salimos de ver 25 watts vimos a Rebella y Stoll parados en la salida conversando, nos acercamos y los felicitamos por la película. Yo estaba intrigado por la canción que aparecía al final y me acuerdo que le dije a Pablo Stoll “qué buena es esa canción que cierra la película, ¿de que grupo es?” y èl señaló a Rebella “es suya”. wow, es una gran canción le dije a Rebella y luego tuvimos una brevísima pero nutrida plática sobre música de la que ahora sólo recuerdo que mencionó más de una vez a los Stooges.
Muchos años después me enteré que volvían para presentar Whisky, yo estaba armando el segundo número de Autobús y andaba fascinado con muchos blogs, entre ellos el de Fuck You Tiger que me permitió conocer a muchos grupos uruguayos, tanto que un extenso mail que me envió benito sobre la escena uruguaya fue la base para que luego él armara un sustancioso artículo al respecto. Por esa época andaba algo ocupado pues tenía un empleo en un diario y casi no tenía tiempo de ir a ver las películas del festival de cine. Por cosas de la vida me encuentro con una amiga que me ofrece una entrada para el estreno de Whisky en donde iban a estar Rebella y Stoll. No dudé y se la compré. Pasaron los días y antes del estreno estoy en Barranco sacando fecha en La Noche para un concierto de Autobús. En eso veo que entra por la puerta mi amigo Juan Diego (quien en esa época trabajaba en el programa Sentidos), y detrás suyo Rebella y Stoll y detrás suyo todo el equipo de Sentidos. Les iban a hacer una entrevista. Me pongo a conversar con Juan Diego y Rebella y Stoll estaban parados al costado. Juan Diego se fue a preparar las luces y la cámara y por cosas del destino ellos se quedaron allí, había pasado mucho tiempo así que dudaba que se acordaran de mí. Me acerqué y les dije que un chico uruguayo de un blog llamado Fuck You Tiger había escrito un artículo sobre la escena uruguaya para mi revista. Se quedaron mirándome y como si estallara algo la conversación se inició automáticamente y no paró hasta que tuvieron que ir a su entrevista. Terminada esta la volvimos a retomar. Resultaba que todos eran amigos. Rebella no paraba de hablarme de Los Buenos Muchachos y de La hermana menor, que era de lo mejor que había en Uruguay. No dejó de hablar de las letras de las canciones esta ultima y de la voz de su cantante. Le volví a preguntar por el tema de 25 watts y Stoll me dijo que lo tenía en su laptop, tenía todo el disco de Rebella. Quedamos en hacer unos intercambios, le dije que me gustaría tener ese disco. Rebella miró a Stoll y le dijo pero aguanta. Le prometí que no había de que preocuparse, no iba a pasarle el disco a nadie, si el problema era ese.
Ese día quedamos en que les iba a hacer una entrevista. Nos encontramos dos días después en el Centro Cultural Pucp. Mauricio, quien se iba a encargar de las fotos, llegó primero. La entrevista fue muy interesante. Eran tipos muy lúcidos. Rebella era un poco extraño, aunque hablaba mucho y se interesaba por la conversación siempre llegaba un momento en el que se perdía en su propio mundo, siempre estaba mirando hacia algún lugar, siempre algo distraído, las fotos de mauricio captar perfectamente la situación mejor.
A Rebella le encantaban los Pixies, lo dijo más de una vez, que eran su banda favorita y tenían que ver la forma como lo decía, lo exclamaba con una convicción absoluta.
Cuando se acabó la entrevista aprovechando que Mauricio fotografiaba a Rebella, Stoll me dio un disco con mp3 de grupos uruguayos. No te pude grabar su disco, me dijo, Juan Pablo prefirió que mejor no. No hay problema le dije, pero de hecho me hubiese gustado tener aunque sea esa canción. No dije nada más, pero me dijo que queda pendiente que en algún momento tendría esas canciones.
No sé que habrá sido de ese disco de Rebella pero seguramente era muy bueno. De todas maneras fue gracias a esos mp3 que pude escuchar a La Hermana menor, a Los buenos muchachos y a Supersónicos, grupos que luego salieron en el compilado de Autobús.
Y bueno, ahora cuando pienso en Uruguay resultará imposible no recordar todo esto, cuando escuche el disco, cuando ojee de nuevo la revista y vea la mirada ida de Rebella siempre pensaré: pucha, que terrible.

VAE 10

Ayer se inició el Festival de video arte electrónica, en su edición 10, con la inauguración de una muestra de Michael Snow y un concierto del grupo francés Sensor Sonics Sights. Los franceses tuvieron una performance muy buena, aunque por el marco de la situación (una inauguración ataviada como siempre de vodka, whisky, bocaditos, etc—unos carpachos deliciosos) resultaba un poco incómodo apreciarlos.
La propuesta de SSS era interesante pues trabajaban con theremins y sénsores en general con los que iban creando el sonido a través de los movimientos que Cecile Babiole y Laurent Dailleau iban haciendo con los brazos, como si estuvieran parados sobre una cuerda de equilibrista o una tabla de surf. Era una suerte de música móvil o cinética, la música como un ejercicio muscular, que existe como reflejo de un movimiento, de la misma manera generaban las imágenes que se proyectaban sobre dos pantallas. El resultado, por su naturaleza de alguna manera aleatoria, tendía a la abstracción, a la disonancia y la búsqueda de texturas. Tuvo una sección muy intensa y noise que realmente disfruté muchísimo. Muy buenos.

Michael Snow andaba por ahí. Y me parecía un hecho insólito. Barney hace unos días y ahora el propio Snow paseándose por el Museo de arte con una sonrisa que le iba de oreja a oreja.
Michael Snow (Canadá-1932) es uno de los artistas más importantes de las vanguardias en los años 60s (década en la que dicho artista estuvo asentado en Nueva York). Es además uno de los pioneros del video arte y en general uno de los directores más influyentes del cine experimental, sobre todo por su famosa película “Wavelenght”.
“Obras de luz y tiempo” es una instalación que presenta una serie de trabajos como Little Wal (1964) Solar Breath (2002), Couple (2002), Triage (2004), Observer (2002), Line drawing with synapse (2003), Video fields (2002) y Sheploop (2001). La instalación busca alterar las percepciones a través de los desfases temporales que se generan con el uso de cámaras de circuito cerrado en falso tiempo real.
Michael Snow dictará una conferencia el domingo 11 de junio a las 3.00 pm en el Museo de Arte y se proyectarán “Corpus Callosum” (2001) y la célebre “Wavelenght” (1967). El ciclo sobre la obra de Snow continúa el sábado 17 y el domingo 18.
Por otro lado, hoy, en el centro Cultural Ccori Wasi de la Universidad Ricardo Palma se presentan tres trabajos del artista finlandés Jani Ruscica, bajo el título de “Contrapuntual”, una artista visual que explora también en las posibilidades del sonido “como medio de navegación e identificación”.
Son muchas las actividades y los artistas que estarán presentes durante el VAE, ya les iré comentando más en lo sucesivo, de todas maneras pueden ver la programación ingresando a la página del festival. Sólo un dato más, el reconocido crítico de arte y teórico de nuevos medios, el español José Luis Brea, viene también al Vae y dictará un par de conferencias el lunes y martes de 4 a 7 pm, previa inscripción.

La ingrata memoria

En una reciente edición de la revista española Lápiz aparece un artículo sobre el estreno en el Guggenheim de “Seven Easy Pieces”, obra de la performer Marina Abramovic que consiste en la recreación de diversas piezas clásicas del performance art. Lo interesante del asunto es que dicha obra da pie al crítico para reflexionar sobre la naturaleza de la performance como hecho irrepetible, y sobre el valor que en ese sentido ha adquirido el documento (sea registro de video o foto) de las mismas, al punto de generarse una confusión documento/obra. Así el crítico en cuestión llega a afirmar que no debe precipitarse la conclusión de que toda performance debe ser documentada ni toda acción historizada.
Si bien hay todo un negocio entorno a esto (lo que puede valer por ejemplo un video de alguna perfomance de los accionistas vieneses, una camisa con sangre, etc), lo cierto es que el fetichismo por el documento ha cobrado por estos tiempos de reciclajes y revivals, de retornos y redescubrimientos, una presencia muy grande y un eje de reflexión importante.
Av Lima es en ese sentido un caso interesante de intento de documentación sobre performances hechas en Lima. Sólo que aquí el fetichismo, más que en un culto al objeto físico se basa mas bien en la obsesión por la memoria, en la necesidad no de confundir documento con obra sino simplemente de evitar el olvido.
Av Lima es un proyecto blogger que ha emprendido Omar Lavalle, un poco conocido pero notable músico electrónico peruano que está muy vinculado con la actividad artística local, tanto de danza como de performance.
El blog documenta diversas performances que fueron realizadas en el marco del Taller de montaje e intervencion urbana - teatro de movimiento que estuvo dirigido por Jose Ruiz Subauste y la composici{on musical y direción de video por Omar Lavalle.

Omar Lavalle ha editado de manera on line un single a través de Arte Sonoro, una interesante página con formato de blog que busca ser una central para la difusión de artistas sonoros hispanoamericanos. Pueden descargar de allí el disco de dos temas con su portada. Omar editó también un cd hace un par de años que círculo casi de manera clandestina entre amigos y allegados y que esperamos pronto pueda tener una edición de mayor tiraje o mayor difusión. Los interesados en escuchar más de la música de Omar y contactar con él pueden entrar a este blog.

Sobre Drawing Restraint 9

Ver un trabajo de Mattew Barney no es algo que podamos hacer todos los días. Cuando este artista hace un film estos no se mueven por el circuito comercial de cine sino que se integran a sus megaproyectos artísticos como el Cremaster, a los cuales hay que peregrinar para verlos en toda su dimensión (un dvd que se editó hace un tiempo, sobre Cremaster3, apenas muestra un fragmento de todo un conjunto multimedia que comprende la megaobra), eso si es que las circunstancias de la vida te permiten costearte el viaje hacia alguna importante bienal del mundo donde se esté presentando, y si es que se está presentando. De ahí que si por esas cosas de la vida se anuncia que en Lima se verá un trabajo de Mattew Barney, pues es una oportunidad que simplemente no te la puedes perder. O la ves o la ves o ya fuiste (aunque leyendo la página de Luis Lama en Caretas, este asegura que muchos trabajos de Barney están disponibles en el emule, no sé si será verdad, pero los que ya lo hayan comprobado por favor envíenme un mail para posibles intercambios).
Bueno, pude ver hace unos días Drawing Restraint 9, el más reciente trabajo que Mattew Barney ha realizado y que tiene como atractivo principal la de contar con Bjork (actual pareja del artista) como actriz principal compartiendo roles con Barney. Bjork como es de suponer se ha encargado de la elaboración de la banda sonora.

La película fue estrenada en cinta de 35 mm, en una única función hace unos días en el Centro Cultural de España, gracias a las gestiones de Sibylle Castelain y el auspicio de ATA y la Fundación Telefónica.

Es muy difícil hablar de Drawing Restraint 9 sin caer en generalidades. Al verla percibí una intención de fondo de querer conseguir la metáfora absoluta, total, una que no parece admitir la reducción a un solo aspecto o perspectiva, una de esas ideas iluminadas que parecen sintetizarlo todo. Uno podría decir de la película que es una metáfora y reflexión sobre el amor, la muerte, la creación, los fundamentalismos, el cuerpo, el futuro, el placer, la memoria, la vuelta al caldo primitivo, la vuelta al vientre materno, la naturaleza, etc, etc. Todas las anteriores. O quizá ninguna.
Y en eso radica lo fascinante de Drawing Restraint 9, en esa crisálida de significaciones posibles y en el misterio como experiencia absolutamente visual o cinematográfica (si es que es posible hablar de cine en un artista que no utiliza ni se mueve en un entorno cinemero, más allá de usar, al igual que un director de cine, cinta de 35 mm) lo que sostiene las dos horas y un poco más que dura el film.
La última hora de la película, momento en el que Barney y Bjork, al interior de un buque ballenero que se desplaza en un mar prístino y celeste, y en medio de un ritual japonés en el que vestidos cual geishas inician un violento, conmovedor y fascinante proceso de transformación marina, debe ser la experiencia visual más hermosamente perturbadora que debo haber tenido desde que vi la sanguinaria Organ. Y es que, como bien me decía un amigo, es posible descubrir cierta sensibilidad que hermana la película con algunas obras maestras del cine gore japonés, esa obsesión por hacer de la carne el soporte para un carnaval quirúrgico, en donde cierta actitud catatónico-contemplativa ofician como marco emocional. Una frialdad que antepone lo estético a lo real, que hace del delirio la premisa básica desde donde el cuerpo reacciona: bienvenidos los destajos, la carne abierta, la profundidad, el exceso, la salpicadura.

No negaré que al salir de la sala estaba flagelado en mis antenas sensitivas pero a la vez me atrapaban muchas dudas sobre lo que había visto. ¿Era acaso una suma de imágenes bonitas que en el fondo no querían decir nada? ¿Era sólo el regodeo por lo repulsivo lo que me distraía de un posible cripticismo tramposo de la película? ¿Era que había más cosas allí ocultas pero llegaban con interferencia hasta mí? Pero de ser asi ¿Por qué no podía quitarme tantas imágenes de la cabeza, qué misterio había en la película? ¿Qué había cambiado en mi?
Sólo puedo decir lo mismo que un blogger cinéfilo dijo sobre otra película memorable: “me hirió en algún lugar pero no sé exactamente donde”.

Los Saicos, versión II (y que se acabe)

El post anterior ha merecido la reacción de Gonzalo Alcalde. Dado que los mensajes en el haloscan se borran tarde o temprano prefiero pegar aquí dicho comment y responder algunas cosas:

No tiene sentido: ¿cómo así lo que dice una persona de un grupo (Arturo Vigil) que edita una revista, a título personal y en otro medio, puede servir para caracterizar a todo ese grupo de gente? Si ese sujeto tiene actitudes reprochables, ¿es motivo suficiente para descalificar un mensaje de otra persona cuyo argumento se relacionaba con OTRO tema? Porque debo decir que la persona que entrevistó a Erwin Flores SÍ se guardó la información personal de él, pero sólo a pedido de él mismo que no quería que lo estén molestando. Como dije en otro lugar, si no me crees, pregúntale. Está en Lima.
"Sucede con el rock, con Los Saicos, cuando es escasa y oscura la información se convierte en la mejor mercancía, toda una minita que hay que mantener a buen resguardo de dar a cualquier hijo de vecino o advenedizo. No vaya ser que malee la plaza, que nos roben el show." Me indigna que ridiculices así un mensaje que tenía la´única intención de reivindicar a Los Saicos y NINGÚN afán de de encaletar cosas ni de protagonismo. Me importa un carajo lo que haya dicho Arturo Vigil. Mi argumento no tiene ni mierda que ver con él.

En primer lugar es cierto que no es justo generalizar y hablar por todo el equipo de Sotano Beat, cuando quien escribió dicho artículo fue Arturo Vigil para Only Sixties, pero refierièndose evidentemente a una entrevista aparecida en una Sotano Beat, echa por él mismo, cuando era parte del equipo de dicha publicación de la cual fue fundador. En todo caso el reproche va dirigido a él y no a los demás.
Ahora bien parece que hay una confusión de parte de Gonzaleo, pues yo no he hablado de él, ni de Erwin Flores, sino concretamente de la actitud de Arturo Vigil de encaletarse la información sobre el paradero de Rolando Carpio, quien estaba en Lima, Erwin Flores, muchos lo sabíamos, radicaba en el extranjero.
No ha sido mi intención ridiculizar una situación, no me he querido burlar de nadie, simplemente que me indigna leer cosas como esa que escribió el señor Vigil, eso de “advenedizo e hijo de vecino” son expresiones que me parecen fuera de lugar y que se traen abajo cualquier buena intención que haya de fondo.
Por otro lado, ok, el correo enviado por Gonzaleo giraba en torno a que no era merecido para Juan Carlos Guerrero atribuirse ese título de “enlace con los saicos”. Pues no sé hasta que punto preocuparse por eso tiene algún tipo de trascendencia. Es cierto, Guerrero carece de la vasta cultura musical que tienen todos los Sotano Beat y el propio Gonzaleo, pero bueno pues, tuvo la idea de involucrarse y gastar esfuerzos en este homenaje y su iniciativa aunque les disguste a algunos es loable, pues finalmente lo que queda es el reconocimiento y la placa.
En todo caso hay que decir que el verdadero artífice de este homenaje fue Guillermo Llerena, quien ha sido un incansable difusor del rock peruano de los 60s y 70s y testigo presencial de aquellas épocas (ex tecladista de Los Yorks), y que al margen de estas disputas, su nombre ha pasado totalmente desapercibido, en gesto de humildad. Y bueno, creo no hay porque hacer más conflicto con este tema, solamente esperemos que la visita y la condecoración de Los Saicos no quede como un hecho anecdótico, que no sea sólo fiesta de un día, sino que la reivindicación tenga algún tipo de trascendencia, que movilice cosas concretas y que sea el inicio de muchas otras actividades.

Respecto a la presentación del sábado en la que los Manganzoides tocaron la célebre Demolición teniendo como invitado al propio Erwin Flores en la voz (y con Rafo Komodo y Cesar N en los coros), pues sólo tengo que decir que fueron los cinco minutos más gloriosos que he tenido en años, en años. Lo tengo todo grabado en mi mini dv. Espero pronto pasarlo a un dvd y hacérselos llegar a los interesados. En los próximos días espero postear mi crónica del concierto.