Noviembre

Hay dos noticias que ya todo el mundo sabe y quien no las sabe pues no sé en que planeta vive. Se trata de la visita a Lima de Jesus and Mary Chain y Animal Collective. Si bien los Jesus no tocan con la ingente electricidad de antes, siguen siendo los Jesus y por lo que he visto en el Youtube están dando shows notables. Para quienes han saboreado el dulce sicótico esto es un acontecimiento imperdible.
Lo mismo los Animal Collective, un grupo que desde que salió ha ido produciendo émulos a diestra y siniestra, y rapidamente se han convertido en una referencia dentro del pop experimental actual. No hay razón para perderselos porque además será gratis.
También quería comentarles que pronto estará pisando tierras peruanas Tetuzi Akiyama, un importante improvisador japonés, quién estará realizando dos conciertos, uno en Lima y otro en la selva.
Por otro lado, quería contarles que estoy subiendo comentarios de discos en un blog que hemos hecho como parte del proyecto de la Sonoteca, que es un archivo de música electrónica y experimental peruana, auspiciado por el Centro Fundación Telefónica.
Y nada, estoy haciendo miles de cosas últimamente. Una de esas es la realización de un documental sobre la escena de noise de Lima, que espero, si todo sale bien a principios del 2009 pueda estar listo.
He vuelto a resubir el disco de Jardín, en siguientes post seguiré subiendo más discos.

Kuduru

Revisando algunos blogs descubrí esta simpática revista donde hay un artículo muy interesante sobre el kuduru. Un tipo de música original de Angola, de un ritmo irresistible ("el resultado del choque entre la música tradicional angoleña (semba, kizomba) y la música electrónica occidental (house, electro, techno)") y que ya se ha convertido en todo un fenómeno de las pistas de baile en Europa. Quién lo hubiera creído pero de no ser por Van Damme el kuduro nunca hubiera existido. Sí, por Van Damme. En este blog, donde se publica una entrevista al francés Freferic Galliano (una de las estrellas actuales del kuduru) se puede ver un video en el que Tony Amado, el creador del género, cuenta como le nació la idea.
No pude resistir la curiosidad y me bajé el disco de los portugueses Buraka Som Sistema (en la foto), que es como el grupo de kuduru más famoso, si bien han estilizado el género (suena a electro, a house, a techno y algo de reagueton con su toque exótico) no se puede negar que este ep es una fiesta de comienzo a fin. El espejismo de la música de la periferia en el centro del mundo nuevamente. A ver que les parece a ustedes, para que sacien su curiosidad les dejo aquí el disco para descargar.

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El blog de Bolaños

Nuestro gran compositor César Bolaños tiene ya un myspace, allí ha publicado una breve biografía y está subiendo algunos artículos sobre sus inquietudes musicales. Hace poco publicó el libro "Origen de la música en los Andes: Instrumentos musicales, objetos sonoros y músicos de la región Andina Precolonial" con el fondo editorial del Congreso del Perú. Bolaños sigue escribiendo, por si fuera poco ahora tiene un blog! y allí está publicando, textos, cuentos y reflexiones. Los invito a visitar el fascinante mundo de César Bolaños, su música, su imaginación, todo lo que en él nos queda por descubrir.

Arriba, un encuentro entre César Bolaños, Enrique Iturriaga, Francisco Pulgar Vidal, Luis Antonio Meza, Edgar Valcárcel y Celso Garrido-Lecca

Vavas y Elegante juntos

Vavas es el proyecto musical de Valentín Yoshimoto (Rayobac, Liquidarlo Celuloide, Ratrasados de hojalata, etc). Lo de Vavas es distinto a las freneticas arremetidas y ambientaciones de guitarra de Valentín de sus grupos más conocidos, en Vavas sale a flote el gusto de Valentín por el pop y la música electrónica dance (del 8 bit al electro, etc), y últimamente por el folk. Como saben Vavas publicó un disco muy bueno hace un tiempo en la ya fenecida Internerds.
Vavas no suele tocar muy seguido y al propio Valentín no se le suele ver muy seguido, por lo que es más que obligatorio asistir este viernes al Centro Fundación Telefónica para verlo tocar, junto a Elegante, proyecto musical de DannyM (Sonoradio), que también reaparece y que muestra el lado más audaz del chico detrás de Sonoradio. Nos vemos ahí.

Jardín

Hace algún tiempo hablé en este blog sobre la aparición del Maqui de Hierro de Jardín , que fue el último trabajo publicado por el dúo limeño conformado por Raúl Gómez y Orlando "Liti" Ramírez en el 2005. Como se trataba de un trabajo publicado en cassette y en edición ultralimitada he decidido subirlo aquí para que lo puedan descargar. Haré lo mismo en adelante con otros cassettes y discos que no se pueden conseguir tan fácilmente. Espero disfruten este disco, yo pienso que es genial, de lo mejor de nuestra pequeña y a veces sorprendente movida experimental local.

Descargar aquí

Sobre algunos discos que estoy oyendo día y noche

Como siempre suele pasar volví a abandonar el blog. A veces simplemente no hay nada que postear porque a uno no le nace nada que escribir. Pero mi vida siguió. He leído algunas cosas maravillosas últimamente, entre ellas entre ellas este poema de Lawrence Ferlinguetti que ha cambiado mi vida y que espero se las cambie a ustedes también.
He estado escuchando mucha música nueva últimamente y quería contarles de algunos discos que particularmente me han llamado la atención por alguna u otra razón.
Ah y dense una vuelta por Puro Show, un nuevo blog sólo de conciertos, donde he dejado ya varios posts.


Flower Travellin Band - Satori (1971)

Pasa una cosa rara con los japoneses, cosas que tal vez nunca entenderé, lo único que tengo claro es que además de llevar las cosas al extremo los japoneses son unos verdaderos fanáticos y no tienen ningún problema en rendirle homenaje a sus ídolos, en querer ser como ellos, en imitarlos (en algunos casos hasta ser incluso mejor que ellos). Pienso por ejemplo en la cantidad de discos que los Acid Mothers Temple tienen homenajeando a sus ídolos (un desfile de citas que incluyen a Terry Riley, Frank Zappa, Hendrix, King Crimson, Univers Zero, etc), una manera de llevar a su terreno lo aprendido y volcarlo con la marea de electricidad característica de la tierra del sol naciente.
Pero quería hablarles de los Flower Travellin Band, junto a Les Rallize Denudes, un grupo fundamental en la historia del rock nipón. Los FTB se dieron el lujo de emular a Black Sabbath y Led Zeppelin y llevaron el resultado a límites insospechados, hasta rozar la perfección, hasta hacer, por un instante, la mejor música del mundo. Sólo basta escuchar su fenomenal Satori (palabra que alude al acontecimiento zen) para caer rendidos. La fusión perfecta de hard rock con psicodelia y un tratamiento en la guitarra que combina folklore japonés con riffs que anticipan al llamado rock pesado y porque no, al stoner. Cuando arrancan los motores de FTB el combustible se hace inagotable. Pura intensidad. Satori es una verdadera bala. No tiene pierde, de verdad, este disco es una joya.


Univers Zero - Heresie (1979)

Reducido siempre a tres o cuatro dinosaurios el rock progresivo es un mundo más basto de lo que algunos pueden pensar. La variedad de estilos y subgéneros es enorme. Y dentro de ese mundo si hay un grupo que brilla con luz propia es Univers Zero. La audacia de su sonido los hace tan personales que en realidad están lejos de cualquier clasificación. Su temprana vinculación con el movimiento Rock in Opposition (creado por el Henry Cow, Chris Cluter, en 1978) tiene que ver con esa asociación con el sonido progresivo, ya que muchas de las bandas vinculadas al RIO tenían justamente ese sonido (Samlas Mamas Manas de Suecia, Stormy Six de Italia, Henry Cow de Inglaterra, Etron Fou Leublan de Francia). Pero digamos, eran la cúspide de un sonido que en realidad se había abierto a todo, eran más que nada bandas experimentales donde se mezclaba la improvisación libre, con el rock, con la música contemporánea, con el folklore de cada país y el resultado para cada caso terminaba siendo una cosa fascinante. Nada que ver con el insípido sonido de mucho progresivo actual que en realidad tiene más de música adulto contemporánea que de la búsqueda y experimentación característica del RIO. Univers Zero, como muchas bandas vinculadas al dicho movimiento, heredan cosas de Frank Zappa, de Magma y de la música académica de Bartok y Stravinsky a las radicalidades de la música de vanguardia. Se les suele llamar a lo que hacen “rock de cámara” ya que se trata de un ensamble musical que incluye oboes, violín, viola, etc pero también instrumentos eléctricos. De todos los discos que voy escuchando, Heresie (1979) es el más raro y siniestro: voces lúgubres, atonalidades inesperadas, violines escalofriantes cuando no esquizofrénicos, un clima oscuro cubre el disco. La herejía como se sabe es una práctica que se opone al dogma cristiano. Y es la imagen perfecta para definir el camino que abre UZ, lejos de todo esquema, de toda preconcepto. Con este disco UZ aportaron su grano de arena a la erosión de fronteras musicales (academicismo o popular) y le dieron la vuelta (como las otras bandas del RIO)a una forma de hacer música ante la que el punk por ese entonces había surgido como alternativa.


Amauta –Amauta (1980)

Estoy absolutamente fascinado con la aparición de blogs con música de libre descarga. Es lo mejor que pudo haber pasado ya que ha permitido que existan blogs temáticos de determinado tipo de música y dentro de este gingantesco mundo, los blogs de rock por países. Hay blogs dedicados al rock uruguayo, al rock argentino, al chileno, al boliviano, brasilero, al peruano, etc. ¿Y esto que significa? Pues es simple, al ver todo el material a disposición me doy cuenta del gran desconocimiento que existe respecto de lo que ha ocurrido en nuestros países vecinos. Algo que nunca acabo de entender. Fue así como llegué a Amauta.
Amauta es un grupo surgido en Ecuador y formado por Fernando Albornoz, Angel Cobo, Galo Garrea, Tomás Lefever y Pedro Pino, estos dos últimos de nacionalidad chilena. Léfever es un compositor vanguardista contemporáneo al peruano Celso Garrido–Lecca (quien debe haber conocido a Lefever pues vivió por la misma época en Chile, y como Lefever fue también alumno de Free Focke, un compositor discípulo de Anton Weber). Exiliados tras el conflicto político chileno Pino y Lefever se van a radicar a Ecuador donde empieza la historia de Amauta.
En un primer instante Amauta recuerda al sonido de El Polen pero también hay un acercamiento a la nueva canción latinoamericana (sobre todo en temas como “Concreto Polar” o “Hay un lugar” que trae a la mente a Victor Jara y/o Voleta Parra). Y eso me hace pensar un poco en la experiencia de Tiempo Nuevo, que fue justamente el grupo que Celso Garrido-Lecca hizo a mediados de los 70s en el Perú tras su salida de Chile debido al conflicto en dicho país. Estando de vuelta en Perú, en pleno gobierno Velazquista, Garrido-Lecca fundó el Taller de Canción Popular, y luego el grupo Tiempo Nuevo, e introdujo así en nuestro medio la canción latinoamericana y sobre todo la chilena.
El asunto con Amauta parece tener una historia similar, aunque la juventud de sus integrantes parece ser la razón de esa filiación rock que sumada a la inquietud vanguardista de Tomás Lefever (quien se incorpora hacia fines del 79) hacen del resultado algo bastante original. Además de tratarse creaciones colectivas, Amauta integró diversos planteamientos musicales: el sonido propiamente andino, planteamientos de la música de vanguardia y del jazz: atonalidades, disonancias, improvisación. Pero también hay algo de blues, algo incluso de sonido progresivo (“folklore progresivo” le dicen). Lo que me entusiasma es que Amauta es un ejemplo de que es posible estar abierto al mundo, sin dejar de ser uno mismo. Una verdadera muestra de avanzada popular, hoy que se habla tanto de fusión, deberíamos recordar un ejemplo como el de Amauta, que es más que puro guiño, es auténtica asimilación de dos mundos.

Maurizio Bianchi - Technology (1981)

El italiano Maurizio Bianchi produce los sonidos que uno ya no desea recordar. Te atormenta con atmósferas a las que ya no quieres volver. Te hace testigo de aquello que sólo puede producir vértigo. A Bianchi parece sólo preocuparle el fondo, tocar fondo, ir al encuentro de la zona más oscura, donde todo aún es informe, a la raíz del miedo. Su música está pensada como una experiencia de choque, lo que quiere es que te des contra sus sonidos como si te dieras contra la pared, contra ti mismo. Sus discos son extrañas construcciones de sonidos encontrados y procesos artesanales: collages de vinilos, juegos con pedales, efectos caseros, sombrías máquinas de ritmo. Un individuo trabajando a solas, construyendo bloques sonoros sobre el desastre y la enajenación. Maurizio Bianchi es lo que podríamos llamar un verdadero músico de culto, es considerado como uno de los padres del noise y una figura clave de la música industrial, de esa que nace con Throbbing Gristle, SPK, NON y que luego N grupos continuaron, entre los cuales Illusion of Safety, Club Moral, Nocturnal Emission o Stujclffe Jugend sean de los más originales de una lista sin fin. Las aventuras de Bianchi datan de fines de los 70s. Por entonces edita casettes bajo el nombre de Sacher-Pelz, inspirado en Sacher Masoch, autor de La Venus de la Piel. Hay todo un halo de misterio entorno a su vida: un lapso de 14 años alejado de la música, un retorno con rollos cristianos, un cambio también en su sonido, orientado más al ambient e interesado en ideas metafísicas. No ha perdido la audacia, sus últimos discos también me hacen temblar, pero es el Bianchi de fines de los 70s y comienzos de los 80s el que por ahora me obsesiona, sobre todo por la textura sucia y casera de sus sonidos.
Hay cierto consenso en ver su Sinfonía del genocidio (1981) como su obra cumbre, recientemente reeditada por la ominosa Hospital Production. Sin embargo de todo lo que oí hasta el momento he quedado perturbado con su Technology (1981), y sus hipnóticas burbujas de noise en contrapunto de solemnes notas que parecen venir de un órgano catedral, que avanza como una capa discreta bajo el estruendo del noise que va mutando hacia formas cada vez más inquietantes: balaceras, bombas y demás emulación de artillería terminan dominando todo el espectro sonoro. ¿Es la tecnología la que avanza y vence? ¿Es que detrás hay una pregunta por a dónde nos está llevando todo esto?


Burning Star Core – Operator dead... Post Abandoned (2007)


Spencer Yeh es de esos artistas de quien uno diría que se mueve entre lo académico y lo no académico, entre la escuela y la calle y sin embargo es muy probable que el mismo Spencer Yeh no comprenda qué es eso de estar entre uno y otro lugar, porque tal vez para él todo sea un mismo lugar. Nacido en Taiwan pero instalado en Ohio desde muy pequeño, es una de las figuras más descollantes de la actual escena experimental gringa, que sigue teniendo como centro de gravitación a Nueva York. Tiene decenas de discos editados, un sello propio (Drone discos) y colaboraciones con gente igual de notable y diversa como John Wiese, Yellow Swans, Aaaron Dilaway, Chris Corsano, Thurston More, etc. Sus discos incluyen sonidos guturales, sonidos electrónicos, procesos diversos y ante todo una destreza asombrosa con el violín, su instrumento principal. Hace no mucho, con su proyecto Burning Star Core, editó un disco con el sello No Quarter, llamado Operator Dead...Post Abandoned, que es una joya. Para este disco ha contado con la participación de Trevor Tremaine, baterista de los extraños Hair Police, además de Robert Beatty y Mike Shiflet en la parte electrónica.
Operator Dead es uno de esos discos de atmósfera apocalíptica overdub, a la manera de los momentos más densos de grupos legendarios del industrial como Throbbing Gristle y SPK. Con la diferencia que Spencer Yeh toca el violín como los dioses (hay que oír sus improvisaciones en solitario) y entre la masa de ruido aparece el violín creando un contrapunto muy intenso. La batería de Tremaine y los sonidos opresivos del experimentado Mike dan el cuerpo necesario para que los desaforados chillidos del violín procesado nos sumerjan en una experiencia psicodélica tan angustiante como extática. “The Emergency Networks are Taking Over”, el tema final del disco, es una fascinante combinación de estilos que cruza el industrial, la improvisación, lo free y el drone.
Pero es el título del disco lo que ha hecho volar mi imaginación.
No pude evitar recordar todo el tiempo ese cuento de Ray Bradbury, “Llamada Noctura”, donde se narra la historia de Emil Barton. Un piloto que un día se precipita con su nave espacial en Marte, un planeta vacío, sin posibilidad de retomar contacto con la tierra. En su espera de ser rescatado, y para paliar la soledad, construye unas estaciones telefónicas con el equipo de su nave, graba diversas preguntas y respuestas y ubica estas estaciones en varios puntos de Marte, de modo que podía visitar varias zonas y recibir una llamada telefónica y hablar todo el tiempo con él mismo. Asi se pasa la vida conversando por cincuenta años. “Estoy sólo. No vivo más que cuando hablo, así que tengo que hablar”, se dice en algún momento el desdichado Barton, quien al final termina siendo devorado por su propia creación. Los diálogos, sin embargo, seguirán sonando como única presencia en ese planeta vacío. ¡Hola Barton! ¿Si, Barton?...
Lo fascinante de este cuento es la creación de una realidad virtual que termina devorando a su creador. Lo virtual termina desapareciendo al operador. El cuento fue publicado en el volumen Fantasmas de lo nuevo, en 1943 y entre muchas cosas anticipa un temor actual: el de estar siendo absorbidos por una gran realidad simulada que puede terminar por desaparecernos. La muerte de Barton es lo que inquieta en el cuento, porque a pesar de estar muerto esos diálogos siguen allí simulando un universo de sentido, pero son vacíos, mecánicos. Metafóricamente la muerte de Barton podría ser la pérdida de nuestra sustancia matriz, de nuestra esencia.
No sé en qué estuvo pensando Spencer Yeh pero yo pensé en esto todo el tiempo y recordaba la cantidad de horas que paso conectado a esta máquina, conversando con personas a quienes tal vez nunca les vea el rostro, fascinado con tantos e infinitos paisajes digitales y no me hace problema eso pero pienso cuantas cosas ya han cambiado, qué manera de quitarnos el aburrimiento tenemos ahora, quiero ver más, quiero leer más, quiero escuchar más, todo dentro de la pantalla, que a veces parece que no vivo sino lo hago.

Este miércoles 9 Conferencia La Virtualidad Real: el tejido de la vida digital

Hola a todos

Este miércoles 9 de abril se inicia un ciclo de conferencias muy interesante, titulado "Lo virtual y el ciberespacio, fantasias dentro y fuera de la pantalla". Las conferencias se realizarán en el Centro Fundación Telefónica (Av Arequipa 1155). Esta primera fecha contará con la participación de Eduardo Villanueva, quien es autor de los libros "Senderos que si bifurcan, dilemas y retos de la sociedad de la información" y "Comunicación interpersonal en la era digital".
Su conferencia lleva por título "Virtualidad real:el tejido de la vida digital"

El próximo martes 15 de abril estará el sociólogo Nelson Manrique y el miércoles 23 de abril, el crítico de cine Ricardo Bedoya. Difundan esta información y no dejen de asistir que estará muy interesante.

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Miércoles 9 de abril
7pm

La virtualidad real: el tejido de la vida digital

La experiencia cotidiana de millones de personas en el mundo entera está marcada por la utilización de dispositivos, redes y servicios digitales. Este tejido digital, llamado ciberespacio gracias a William Gibson, aparente ser el mismo en todo el mundo, tener la misma estructura y los mismos patrones de uso.

Sin embargo, tras las formas digitales aparecen las prácticas sociales que existen en cada versión local del ciberespacio, o si se quiere, en cada una de sus provincias. Conocer las provincias del ciberespacio nos permite entender mejor cómo lidiamos, desde las varias versiones del Perú conectado, con la realidad de la vida digital, con un tramado de tecnologías, medios y prácticas que aunque de apariencia global, tiene mucha especificidad local.

Partiendo del concepto castelliano de virtualidad real, la exploración nos llevará desde las múltiples manifestaciones provinciales hasta las realidad globales, ofreciendonos una perspectiva de continuidad en la diversidad y de autonomía en la clara tendencia hacia la unicidad global.

La felicidad, ja ja

Desde hace un buen tiempo los blogs se han convertido en espacios para descargar música. A tal punto que la misma noción de netlabel también empieza a redefinirse. Ahora todo el mundo puede subir de manera sencilla sus audios y dejarlos para libre descarga. Una forma de democratizar la información y de traerse abajo los antiguos mecanismos de distribución de la música. Son tiempos nuevos, no se si mejores, sólo nuevos, y entre las lágrimas de quienes veían en la venta de discos y los derechos de autor un negocio, algo nuevo está surgiendo, el negocio se dirige hacia otra parte. Con la cultura del Ipod todos convierten la música a mp3, el formato por excelencia de la actualidad. Y allí puedes almacenar decenas de discos, cientos de discos, es la cultura del asegurar todas las posibilidades. Tienes en tu Ipod todas las canciones a tu disposición, todas las que en algún momento te gustaría escuchar, aunque tal vez nunca (nunca) escuches todas las canciones que allí tienes.
En los últimos meses he descargado una buena cantidad de discos a través de blogs, de todas partes del mundo, discos actuales, discos peruanos, etc. Hay de todo, aunque no hay todo. Así que he decidido, cada vez que la situación lo amerite subir también algunos discos que atesoro.
Como saben algunos hace cuatro años apareció este blog como extensión de una revista de música que edité llamada Autobús. Aparecieron dos ejemplares y con cada una vino un disco de regalo, editado bajo el sello creado para la ocasión, Buh Records. El primer disco editado tiene un valor especial para mí, se llama "Vamos a ser felices", título que se lo debemos a quien fue el generador de la idea de la compilación (resistiré la tentación de escribir su nombre en este blog). Disfruté mucho el proceso de sacar adelante este disco, en algunos casos tuve que ir a un concierto con una grabadora de mano, grabar un par de canciones de cada grupo, subirla a la computadora, hacerle una edición y ya estaba listo el tema. Más Do it yourself no se podía ser. Una amiga me dijo "oe ya es demasiado lo fi". Y si pues, esa era la idea con este disco, una compilación de bandas nuevas, algunas disueltas al día de formarse que tenían un tema bueno, canciones dulces, experimentalismo, todo estaba permitido en este disco con tal que contribuya a crear ese universo de dormitorio y de libertad. La idea del no tienes nada que perder, un disco que rescataba esas canciones guardadas como travesuras inspiradas de fin de semana. La no profesionalidad en su esplendor, el encanto de hacer las cosas sabiendo que no aspiras a nada que no sea a divertirte y vaya de qué modo. Algunos artistas / grupos que participan de este disco estuvieron y/o siguen totalmente dementes.

Pasó el tiempo y debo decir que me entusiasma el cariño que algunas personas guardan por este disco. Lo he vuelto a escuchar y la verdad me encanta. Disfrútentlo ustedes también.


Aquí les dejo el enlacepara descargar

http://www.archive.org/details/VamosASerFelices/

El mundo de Yuyu

La primera vez que supe de Pauchi fue en mis días de estudiante en la facultad de comunicaciones de la PUCP, en el 2000. Ella estudiaba periodismo y yo comunicación audiovisual. Todo el mundo hablaba de Pauchi y creo que, prácticamente, no había ningún estudiante de la especialidad de artes escénicas, que se respete, que no supiera quien era ella, ya que Pauchi musicalizaba cuanta obra teatral y perfomance pudiese (quien tenga la oportunidad de revisar su grueso currículum sabrá de lo que estoy hablando). Bastaba verla en vivo para olvidarse de la obra y quedarse sólo con el recuerdo de los sonidos que ella le arrancaba a su violín, un instrumento que la ha acompañado desde pequeña hasta el día de hoy que viaja por el mundo con su música.

Pauchi iba a los conciertos del circuito underground de música experimental y siempre que podía tocaba allí. Se había ganado un espacio gracias a su arrollador talento que dejaba a más de uno mudo y emocionado. Todos querían tocar con ella y Pauchi nunca tuvo ningún reparo en tocar con cuanto avezado ruidista y electrónico hubiese. Esa apertura, que hasta ahora conserva, es una de las virtudes que más la distingue. Si hay las ganas ella siempre está preparada para la aventura. ¿Quién podría olvidar su celebrada improvisación al lado del argentino Alan Courtis, o sus performances con Jardín, con Omar Lavalle, Renzo Filinich, Teté Leguía, Elder Olave, etc.? Para Pauchi tocar es un placer y creo que ella podría estar haciéndolo todo el día, como si la vida fuera una experiencia musical o viceversa.
Pauchi ha estado recorriendo varias ciudades de Estados Unidos tocando con el músico Tito La Rosa. Se ha ido al Japón y ha estado mostrando su propia música, esa que tanto disfrutamos en sus performances Cuarto Blanco, El Baño y El Depósito. Y que ella ha tenido el buen gesto de editar en un disco para ofrecernos a nosotros, simples mortales, que la admiramos y estamos siempre atentos a sus movimientos.
Yuyu es entrañable. Fue editado de manera independiente en el 2007. Es un disco que se declara expresamente como de imágenes, “de esas que no pueden contarse con palabras”. Yuyu es un disco de deleite. Pauchi busca ser ella y su música libremente, a donde la lleve. Tiene cierto aire oriental (no hay que olvidar la ascendencia japonesa de Pauchi), algo del canon de Pachelbel, algo del eclecticismo que produce la fusión de lo ancestral con lo moderno, algo de collage sonoro. Esto último quizá no sea tan visible en el disco como lo es en sus presentaciones, donde suele conectar su violín a pedales y samplear su voz, sus quejidos, su tos, etc para crear capas de sonidos multiplicados, sobre los que su violín inicia un viaje sin retorno, con nosotros incluidos. Este no es pues un disco donde Pauchi explore mucho las posibilidades del violín amplificado (como suelen ser sus vivos) sino que es un trabajo de exploraciones en la melodía. “Do You II” es notable en ese sentido. “Llanto de Orfeo” tiende algún puente con la música contemporánea, es una pieza realmente escarapelante, el sonido parece que se acaba en algún punto en el desierto. Pauchi sabe conseguir esos efectos de espacios solitarios. Su violín parece siempre acompañar alguna situación difícil pero es tan intensa su interpretación que el asunto va más allá del paisaje que ella describa. El asunto se vuelve una relación entre ella y su violín y el trance del que nos hace testigos, antes que otra esa imagen llega a nosotros. Porque si algo ha conseguido Pauchi es eso, crear una simbiosis entre su instrumento y ella. ¿No son acaso esos sonidos corporales pasados por el delay una forma de extenderse para mezclarse con el sonido de su propio violín? Ser uno con su instrumento no es algo fácil y Pauchi quiere demostrarnos que está para grandes cosas. Ojalá la tengamos de nuevo por Lima para emocionarnos con otra de sus presentaciones. Por mientras dejemos que la luz caiga y nos invada el universo mágico de Yuyu.

pd. el disco se vende en la tienda neomutatis o a través de la web de Pauchi

Los niños y su mundo o el arte de hacer una compilación

Siempre he tenido especial interés en escuchar discos compilatorios que no sean del tipo “grandes éxitos” sino de esos que están armados siguiendo esa norma clásica del mix tape. O sea eliges tus canciones favoritas, les das un orden, un título y ahí tienes: una compilación absolutamente novedosa y fresca. A lo largo de mi vida he hecho muchas compilaciones, sea para regalar a amigos, a chicas que me gustaban, sea porque tenía el encargo (muchas se han publicado), sea porque había una idea que me obsesionaba y de pronto encontraba que había suficientes canciones como para compilarlas en un disco (me he quedado noches enteras dándome el gusto de hacer una compilación porque no iba a poder dormir sino la terminaba).
Cuando en una compilación la idea logra trascender a cada tema y todo el disco se hace sólido a pesar de las diferencias que pueda haber entra tema y tema es porque se ha conseguido hacer una buena compilación. Pero también es fundamental el orden de los temas, la secuencia que hace que de uno a otro la cosa fluya o se quiebre naturalmente. Recuérdese que ante todo es música y lo que importa es disfrutarla. Las mejores compilaciones, a mi gusto, son aquellas donde hay libertad de poder hacer de todo, donde sabes que lo que tienes no es un disco sino un tiempo (60 minutos, 50 minutos) donde todo puede pasar. Valoro mucho cuando se trata de canciones o temas que nadie había notado que eran geniales hasta que un oído iluminado descubre la genialidad oculta al fondo de un disco y te saca una joya. Y por último, una compilación debe tener un mínimo de sentido del humor o frescura. Esas compilaciones para cortarse las venas no corren. Nada más aburrido.
Una de las compilaciones que me ha dejado con una sana envidia y con unas ganas alucinantes de armar la mía personal ha sido Latinamericarpet exploring the vinyl warp of latin american psychedelia recientemente editada por Sublime Frequencies. No sólo cumple absolutamente con todos los requisitos arriba señalados sino que además se da el lujo de conseguir otra cosa (que si lo consigues tu compilación es genial!): crear un universo musical o la ilusión de su existencia.
Vayamos en orden. Actualmente existe todo un boom de músicas periféricas, que se han vuelto la mejor alternativa para alimentar la ilusión de un camino distinto, con reglas de juego distintas ante el hastío que produce la música actual y que nos hace sentir que hay mucho pero mucho por descubrir. Un sello como Sublime Frequencies anclado en Seattle (dirigido por Alan Bishop, junto a Rick Bishop miembro de los Sun City Girls, una banda fundamental de free noise rock) ha sabido encontrar un nuevo nicho en la experiencia de lo nuevo: el choque cultural que nos sacude y asombra, descubriendo para el mundo músicas populares de los rincones más inhóspitos del globo (África, Asia, Latinoamérica, etc), conectando también con la anulación de la distancia de una época tan marcada por la virtualidad y la idea del “tiempo real” (sí, casi siento que estoy en Tailandia o Sumatra cuando escucho esos discos y esos programas de radio, es que realmente estoy ahí a mil kilómetros de ahí!!). Lo especial de Sublime Frequencies es que la música es presentada con la radicalidad que a veces se hecha en falta a mucho del mundillo de la World Music. De ahí que no sean ajenas las guitarras eléctricas o los sonidos electrónicos acompañando ritmos tradicionales en fusiones realmente desconcertantes. Nada está maquillado ni pasteurizado. Sublime Frequencies te muestra las cosas en bruto, tal y como son, eso explica también su interés por editar grabaciones de programas de radio, con la aleatoriedad que eso implica.
Prueba de esa radicalidad es un disco como Latinamericarpet exploring the vinyl warp of latin american psychedelia un disco pensado para un público que ha ido descubriendo los poderes de la psicodelia sesentera latinoamericana (donde la peruana ocupa un lugar especial) y que busca abrir aún más el panorama y encontrar ese espíritu psicodélico en esa música que fue concebida con propósitos, digamos, más amables: viejos vinilos de los 60s y 70s de música infantil, de lecciones de ingles, de relajación, de programas de concursos, discos de música popular varios y otras rarezas exóticas que compilados a modo de un collage o mix tape muestran un ángulo diferente de nuestro imaginario popular latinoamericano (concretamente de Brasil, Chile, Perú, México, Argentina y La Isla de Pascua). Para que se hagan una idea de los participantes por el lado peruano: Yola Polastry, Los Destellos (quienes sirven de portada), Conjunto Condemayta De Acomayo y La Gringa Inga (dos temas de su disco de lecciones de ingles!!). Los estilos son variados, desde huaynos, música surf, canciones infantiles, cumbia, rancheras en clave easy leastening, psicodelia, drone (!!!), etc.
“Todo el cerebro, toda la mente sirve como caja de resonancia que surge en forma de espiral y en forma de espiral penetra directamente al entrecejo” así inicia un tema que insospechadamente termina en un drone alucinante, sacado ni más ni menos que de un viejo disco argentino de relajación.
Fascina pues que es una selección de temas hecha por un oído preocupado en descubrir sonidos insólitos, gags y todo tipo de experiencia sonora atípica que hace de la suma de sus partes un verdadero elogio a la inocencia subversiva, a lo absurdo que aparece como desenfreno de alegría y espíritu lúdico, y es imposible no pensar en cierta sintonía Dadá por ese énfasis tan marcado en el mundo de los niños.
La compilación termina siendo una auténtica experiencia psicodélica, una alteración de los sentidos, pero sobre todo una experiencia de júbilo en donde la música se desarrolla con una inocencia y libertad que arrastra ese carácter lúdico y nos hace participar por casi una hora de una fiesta inolvidable. Yo he quedado literalmente exhausto al oír este disco y me he sentido como un niño destruyendo todo a mi alrededor en exaltación de alegría y juego. Sin duda esta es una de las compilaciones más atípicas y desconcertantes que he escuchado. Bájensela y disfrútenla. Aquí nada sobra.